Fotos Adri Godis + Honeycomb
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Corona / Lapalma / Mizrachi

Conversación Triple es una muestra muy especial que usa al Arte Contemporáneo para iniciar una conversación visual entre tres artistas de distintos contextos quienes tienen cada uno un lenguaje distintivo. Alice Mizrachi (NY), Martin Lapalma (ARG), y Pol Corona (EU/ARG) los tres poseen fuertes estilos y mundos inversivos dominados por el color, las formas y el simbolismo, es el resultado del choque de estos tres mundos individuales.

Las obras exhibidas fueron producidas en tres modalidades de trabajo distintas, permitiendo a los artistas trabajar juntos y combinar sus habilidades. 

La primera serie fue creada por cada artista de manera individual, estas obras producidas en cada uno de sus estudios son representativas de su interpretación personal de lo que es la comunicación. Conversaciones con la naturaleza, diálogos abstractos y la actividad de comunicar a pesar de las limitaciones, son temas que se abordan en esta serie. La segunda serie fue creada el día en que se conocieron los artistas. Trabajaron de a pares donde pudieron presentarse “cara a cara” mediante la fusión de sus estilos. La última serie es el resultado del trabajo en conjunto de los tres artistas en simultáneo trabajando al mismo tiempo en las piezas en común.

El trabajo individual en la muestra permite ver al espectador una muestra del universo de cada artista mientras que el trabajo colaborativo es en esencia una documentación de una serie de conversaciones no verbales. En última instancia, las piezas terminadas continuarán viviendo y conversando mediante su silenciosa interacción con el público.

La inclusión de una artista extranjera fue esencial en el éxito de Conversación Triple.

Honeycomb aprovechó esta oportunidad para presentar la primera de una serie de residencias artísticas internacionales. La invitada seleccionada, Alice Mizrachi, de Nueva York, es una prolífica artista contemporánea, curadora, muralista y educadora. Mediante esta residencia y estancia de dos semanas, fue capaz, no sólo de conversar y crear junto a dos colegas latinoamericanos, si no también tuvo la oportunidad de absorber y experimentar la cultura y la gente de la Argentina.

 

Cara a cara con los artistas

Alice Mizrachi

Tu trabajo es creado a menudo en lugares que dan la bienvenida a la interacción con el público o participación de la comunidad. ¿Por qué decidís presentar tu trabajo de esta manera? ¿Cuál es el rol del Arte Contemporáneo en el foro público? Disfruto hacer arte en público debido al diálogo que creo con el. Me esfuerzo por hacer una experiencia inclusiva para que todos puedan interactuar. La participación de la comunidad es importante para mí porque busco incorporar las voces de aquellos a los que nadie oye.

Ha habido un cambio gradual en el arte contemporáneo en el que honradamente me considero parte. Por muchos años sentí que el tipo de arte que hago no era parte del mercado del arte, pero hoy se ve un gran surgimiento de artistas como yo, que tienen una práctica pública, así como tienen una práctica de estudio. Esto cambió el mercado del arte y pienso que es debido parcialmente a que nuestra generación ha crecido y estamos creando nuestros propios espacios. También nos hemos convertido en los guardianes de este género de trabajo y somos ahora capaces de contribuir al mercado del arte de formas que antes no podíamos.

¿Cómo influye la colaboración artística en tu proceso de trabajo y por qué es importante? Me encantan las colaboraciones artísticas y disfruto de trabajar con artistas que están abiertos a intercambiar ideas y compartir perspectivas. Yo particularmente disfruto de viajar y conocer artistas en otros países, me da un rápido registro de la cultura de la ciudad y la conversación. La colaboración es importante porque todos tenemos una estética similar y llegamos a intercambiar información sobre lo que está ocurriendo en nuestra ciudad acerca de la política, la economía, el medio ambiente y el arte. La cultura del graffiti siempre me ha dado acceso a la gente que necesito para estar en contacto, lo que en sí mismo es una colaboración, una sociedad secreta de individuos con ideas afines interesadas en escribir en las paredes, el hip hop y en la voz del pueblo.

Si pudieras colaborar y crear con y crear junto con cualquier artista en la historia, vivo o muerto, ¿con quien lo harías? Basquiat está definitivamente en mi top five. Realmente hubiera disfrutado aprender de Picasso y sus habilidades para los negocios, así que por eso lo elijo a él también. Y me hubiera encantado colaborar con Marisol y Louise Nevelson.

El tema regente de “Conversación Triple” es la comunicación. Personalmente, ¿cómo interpretás este tema? ¿En qué está basada tu serie individual y cómo se relaciona con el tema? La comunicación es la clave de todas las relaciones e interacciones con los demás. He aprendido mucho con mi padre acerca de la comunicación no verbal. Es verdaderamente un don el hablar sin hablar, y mientras fui creciendo fui mejorando en este aspecto. Mi trabajo para esta muestra está basado en las fases de la luna. Estoy interesada en lo personal vs. lo universal dentro del contexto de la identidad. Más recientemente, he estado trabajando con el arquetipo del “sagrado femenino” en un intento de comprender mejor la diosa dentro de mí. Lo que comunico es un reflejo de mis experiencias y es una perspectiva de una mujer. Estoy interesada en la yuxtaposición de las contrapartes masculinas y femeninas para sugerir un equilibrio. Así que en mi contenido se puede ver a menudo la forma femenina, pero en mis materiales elegidos se puede ver el lado masculino. Por ejemplo, las paredes son duras y ásperas y las latas de aerosol son metálicas, pero mi temática es femenina. Incluso en pintura sobre tela, papel o instalaciones  juego mucho juntando lo duro y lo suave. En esta serie estoy quemando un dibujo de una especie de diosa sobre la madera, sugiriendo las fases de la luna en dorado a la hoja. Hay una delicada poesía que implica lo femenino sin embargo el material y el proceso puede ser duro, lo que implica lo masculino. Esta comunicación es un hilo que corre a lo largo de mi trabajo y mi vida.

¿Cómo fue colaborar y conversar con artistas que no hablan el mismo idioma que vos?La comunicación no verbal es el lenguaje del alma. Entiendo mucho de una persona por la manera en la que se mueve, como hace arte y su mirada. Si sos perceptivo y tranquilo podés sentir la presencia de la persona y sentir su vibración. Desde ese lugar poder conectar realmente en un nivel más profundo. Ha sido una experiencia increíble colaborar con Martín y Pol. No necesitamos comunicarnos verbalmente. Nuestro lenguaje visual y vibracional es suficiente.

¿Hay algo que te gustaría decir a la Argentina antes de regresar a NY? Me siento inspirada por la mentalidad ambientalmente sostenible de Argentina. Todo se transforma en algo más y para mí la gente parece más libre aquí.
Cuando decís gracias a alguien, te contestan “No, Gracias a Vos”.  Me gusta esa actitud educada y humilde cualidad que viene con gratitud y respeto por el otro. Volveré para colaborar y disfrutar de la ciudad una vez más, muy pronto. Gracias Argentina!

Cuando vuelvas a NY, ¿en qué vas a estar trabajando? Cuando regrese a NY, estoy interesada en hacer una serie de impresiones con 1XRun, también estoy enseñando una clase de graffiti junto con algunas legendarios grafiteros y tengo otra residencia artística en la Universidad de Northern Colorado donde estaré pintando un mural  en marzo en el Transit Museum.

Pol Corona

¿Dónde encontraste la inspiración para tus piezas en la muestra? ¿Cuál es el tema de tus obras personales y cómo se aborda el tema de la comunicación? La inspiración de las piezas surge tras varios encuentros con Martín Lapalma previo a la llegada de Alice. Si bien vengo siguiendo una línea en mi obra, con temáticas ya relacionadas con la comunicación, siendo para mí la pintura un medio de comunicación, puntualmente decidí abordar el tema de los sentidos del rostro. El olfato, la vista, lo auditivo y la voz, medios por los cuales comunicamos, nos comunican y sentimos.

En varios de tus retratos, la manera en que recibimos la información sensorial, como los ojos, los oídos o la boca de las figuras están obstruidas ¿Cuál es el significado de esto? Lo que lo “obstruye” se ve representado en todas las obras a través de una paleta, el azul, uno al mirarlo podría pensar que se trata de una nube, una tormenta o un río. Creo que simplemente al estar recubierto por esta “nube” uno le presta más atención a esa parte del rostro, le genera preguntas sobre este sentido, es una reflexión hacia el sentir.

Tenes una paleta de colores que se repite y se ha convertido en un tipo de firma conectada con tus obras. ¿Por qué elegís estos colores y qué es lo que dicen de vos? Siento ser cauteloso a la hora de jugar con la paleta, no tengo apuro, es difícil explicar cómo uno siente un color, el ocre por ejemplo para mí es un color que remonta a la tierra, al origen, es uno de los primeros colores con el cual el humano empezó a pintar y a representar lo que ve y lo que siente. No sé si lo siento como una firma, más bien como dije antes decido hoy en día y sin apuro usar esta paleta. Suelo pintar rostros, al humano, me siento cómodo y fuerte frente a esta paleta, si usara un color más saturado o vibrante como el magenta por ejemplo, me sentiría más incomodo, esto no quiere decir que no vaya a incorporar otros colores en un futuro.

Además de tu trabajo personal de organizar un proyecto de murales en el barrio de Barracas llamado Sullair Cultura. El proyecto está transformando el barrio con increíbles piezas de arte de artistas locales y extranjeros. ¿Por qué comenzaste este proyecto? ¿Cómo hablas a la comunidad local? ¿Y qué te gustaría lograr? El proyecto en conjunto con Sullair Cultura nace a través de una persona con la cual cruzamos caminos y pensamientos en la vida, Anahi, ella es gerente de Marketing en Sullair. Nos gusta explicar que no es un proyecto que se pensó y ejecutó sino que se empezó a ejecutar y fuimos viendo como maduraba frente al barrio (Barracas) y la gente que lo habita. Pienso que la pintura en la calle, los murales, son una forma de relación para con el entorno que habita la obra, siento que hay una gran responsabilidad frente a esto y por ende es interesante que haya un pensamiento que lo sostenga. Sullair Cultura genera el espacio para que a través del tiempo y sin apuro se geste una relación entre el artista, el vecino y la obra. Frente a lo que quiero lograr no sé si hoy en día lo tengo muy en claro, si puedo decir que la experiencia humana que me brinda la oportunidad de gestionar y co curar este proyecto me está llenando de una gran responsabilidad la cual pienso seguir dándole forma con la personas con las cuales venimos trabajando para que esto suceda. Es interesante la relación que se puede dar entre una empresa privada y el barrio a través de los murales, estar en el medio entre esas dos partes me enseña mucha para con lo que hago.

Trabajás mucho como muralista. ¿Cómo creés que un mural comunica de manera diferente a una muestra que se presenta en una galería? ¿Cuál preferís? Claramente es diferente, una sucede en una espacio en particular y la otra en la calle, el mural está ahí para el que pase frente a él, puede ni siquiera verlo pero esta, es clave el momento en el que se ejecuta, las personas que se cruzan a un muralista o artista pintando en la calle pueden ver el proceso que este conlleva, se genera un vínculo entre ambos, en una galería uno elige ir a ver a ese artista. Lo interesante de la galería es que el espectador ve un trabajo distinto, realizado por el artista en su estudio o su casa, son más horas de pensamiento dedicados en la obra, es como un macro de la obra del artista. Personalmente prefiero hoy en día el mural en la calle, de ahí vengo y ahí aprendí a pintar, fue y es mi taller desde chico, la galería es un mundo en el cual siento que recién me estoy adentrando, lo desconozco más que el de la calle, pero siento que para mí crecimiento es interesante.

Si pudieras colaborar con cualquier artista vivo o muerto ¿con quién lo harías? Ahora en mayo me invitaron a participar de una muestra colectiva con instalaciones en París, lo invite a mi primo Jean Lloveras que es escultor a realizarla juntos, en principio con él. Pero la verdad que la vida es larga, no dudo que me vaya a cruzar con personas con las cuales pueda compartir semejante experiencia.

¿Podés contarnos algo más acerca de eso y tus planes a futuro? También participa un gran amigo, Mart Aire. Es una muestra de instalaciones en un galpón de dos mil metros cuadrados en Malakoff, sur de la capital, el proyecto también aborda intervenciones en este barrio a través de la pintura mural, estoy con muchas ganas de estar ahí. Cuando vuelvo del viaje me mudo a una casa taller en Barracas, tengo pensado varios proyectos frente a este nuevo espacio, uno de ellos es generar una residencia, todavía tengo que ponerme a escribir 🙂 Pero por ahora zona sur me llama en varios sentidos, así que voy a darle bola.

Martín Lapalma

¿Cómo interpretás el tema de la comunicación y la conversación en tus obras para la muestra? ¿Cuál es la idea/concepto de tus piezas individuales? Una de las vivencias más importantes alrededor de la muestra es el hecho de tener que crear material nuevo, solo y en colaboración. Eso trae aparejado todo un proceso intelectual intenso y deliberado. El hecho de juntarnos a planear y mantener chats con Pol y Alice, el tener muy presente el trabajo de ellos a la hora de pensar en mis obras, el pintar los tres juntos, conociéndonos en realidad. Ese diálogo fue muy reconfortante pero también requirió que nosotros pongamos una parte importante de cada uno en juego. La idea de mis obras es un tipo de conversación a otro nivel, un diálogo desde lo más auténtico de cada uno. Son rostros que contienen micro historias, sin apelar a elementos reconocibles, solo color.

Varias de tus piezas en la muestra son retratos sin los rasgos faciales. ¿Cuál es el significado de esto? Son retratos sin rostro porque apuntan a que cada persona que las mire encuentre sus propias formas y rasgos familiares. Quise retratar aspectos que nada tienen que ver con los ojos o la nariz. Quería acercarme al imaginario que me genera cada retratado, un mínimo de lo que “son“ para mi manera de ver.

Trabajás mucho con simbolismo y referencias a la música y la literatura. ¿Cómo desarrollaste tu lenguaje impresionante y ¿por qué trabajas en abstracto con simbolismo en lugar de imágenes figurativas? Yo creo en imágenes nuevas tanto como en imágenes viejas, creo que las imágenes se regeneran continuamente. Pero, a la hora de trabajar, trato de no caer en la trampa de la imagen, creo que si estiro la cuerda pueden salir otras cosas. También me gusta trabajar con el color como un emisor, que sea éste y no la forma el que comunique. De ésta manera el diálogo se vuelve más interesante y las posibles imágenes son aún mayores y más personales, creería.

¿Cómo encontraste la experiencia de la creación de arte junto con una artista que no habla tu idioma? ¿Cómo es de diferente a trabajar con alguien con quien podés comunicarte verbalmente? Lo que sucede es que la Pintura es un lenguaje mucho más amplio y profundo que el de las palabras. Alice, Corona y yo pintamos. Entonces, a la hora de pintar, los tres tratamos de sacar lo mejor de sí. Y eso ya te garantiza un tipo comunicación mucho más real y sincera. Todo sucedió de una manera espontánea y amena. Y nos entendimos muy bien…

Si pudieras colaborar con alguien vivo o muerto ¿a quién elegirías? Nunca lo había pensado. Soy agradecido de trabajar con las distintas personas con las que trabajé, lo que cada uno hace torció los caminos e hizo que nos encontremos. Eso no es un hecho tan fortuito y soy agradecido de ser parte. También sé que voy a trabajar con muchas otras personas a futuro, que nuestro trabajo nos va a reunir. Y me gusta la idea. En un plano hipotético y fantasioso, me hubiese gustado trabajar con Greco.

¿Con qué vas a estar trabajando después de esta muestra? Éste es un año bastante cargado con actividades. Después de Conversación Triple tengo un par de muestras planeadas para antes de mitad de año. También hay planes para una muestra en la Patagonia, una idea que me tiene muy entusiasmado. Pero sobre todo estoy pintando, y muy feliz con la forma que están tomando las obras.

Conversación Triple
27 Febrero al 14 Abril 2016
Honeycomb Gallery
Thames 2176, Palermo Buenos Aires
Miércoles a Viernes 17-20 h / Sábados 15-18 h