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Patrick Hartl es un artista alemán con piezas que combinan graffitis, street art, arte contemporáneo y caligrafía. Su proceso único se hace eco de la evolución natural que la muralla de una ciudad ha pasado a través de años de exposición pública, dando lugar a imágenes ricas y texturizadas que atraen al espectador permitiéndole explorar y siempre encontrar algo nuevo. Es un curador visionario, autor, editor y está constantemente presentando un punto de vista fresco a través de sus obras, mientras que contribuye a la evolución del graffiti y el arte urbano. Tras el reciente lanzamiento de su nuevo libro, nos tomamos un momento para hablar con el creador prolífico y averiguar más sobre su trabajo, la vida y lo que le motiva a seguir escribiendo su nombre.∇

 

Entrevista por Trystan Bates
Fotos, Cortesía Patrick Hartl

 

Comencemos por el principio, ¿Cuales son tus orígenes, tus raíces? ¿Qué te llevó a ser artista? Me puse en contacto con la cultura del hip hop y los graffitis cuando era adolescente en los suburbios de Múnich. Escribir mi nombre en un tren por primera vez…, eso fue lo que comenzó todo, a principios de los años 90. Desde entonces, he sido contagiado y adicto a ese fenómeno. El graffiti fue mi primer amor y naturalmente la influencia esencial de mi juventud.

Contanos un poco sobre tu proceso de trabajo. Básicamente es freestyle. La idea visual general de mis obras es reconstruir el sabor de un viejo muro público que ha sido etiquetado, bombardeado, pulido, dañado, desgastado, rociado con plantillas, pegado con pegatinas y carteles, etc, una y otra vez, hasta que no falte nada. Todas estas capas, estos restos, son como fragmentos de la historia. Por lo tanto, cómo producir mi trabajo es básicamente similar a lo que le sucedería naturalmente a una pared real en un espacio urbano público. Empiezo con etiquetas de gorra gorda colocadas al azar en la superficie blanca, luego lo pinto con un 80% con pintura ligeramente transparente. Etiqueto la pared con los marcadores, vuelvo a pintar la capa otra vez, entonces hago las etiquetas engomadas y los carteles, partes del rasgón apagado otra vez. Repito todos estos pasos una y otra vez hasta que quedo feliz con el resultado. Durante los últimos pasos, mantengo un ojo en la composición y añado algunos detalles. Creo que una de las características más importantes de mis obras es la multitud de capas. Después de 25 años de graffitis, ya no es la hermosa pintura terminada lo que es más importante para mí, sino el proceso artístico que evolucionó durante todo este tiempo. Los experimentos, los logros y los errores que resultan de él. Es un proceso de aprendizaje interminable.

¿Cómo es un día típico para vos? Realmente no tengo algo como un día de trabajo promedio, pero durante los días que trabajo en el estudio, en su mayoría me levanto al mediodía, desayuno, reviso mis correos y cosas así, y doy un paseo con mi perro por la tarde. Luego, llego al estudio por la noche y normalmente me quedo hasta las 2 o 3 de la mañana. De vuelta a casa, hago trabajo de escritorio como la edición de imágenes hasta el amanecer

La evolución de tu obra de arte ha sido interesante para ver durante la última década. ¿Qué te ha llevado a la caligrafía urbana o caligraffiti? Primero me puse en contacto con la caligrafía tradicional durante mis estudios de diseño en la universidad y mi amor por la escritura y las letras continuó creciendo. Mi primer intento de caligrafía a gran escala fue en 2001, cuando pinté un mural grande en el salón de la fama en Augsburgo (Alemania) usando latas de aerosol con una tapa usualmente encontrada en el adhesivo del aerosol, que tenía el mismo efecto que un lápiz de caligrafía, y cartón como una espátula para recortar las letras de la pintura fresca. Fue agradable pero fue más un experimento o primer intento para mí. Eso cambió cuando el artista holandés Niels Shoe Meulman creó su proyecto Calligraffiti en 2007 haciendo enormes pinturas de caligrafía usando herramientas como latas de aerosol, marcadores, cepillos grandes e incluso escobas. Hizo que la idea creciera y finalmente se hiciera popular. Como el tradicional graffiti antes de influir a toda una nueva generación de escritores. Desde entonces, la caligrafía urbana, o Calligraffiti, se ha convertido en un nuevo movimiento en la escena contemporánea del graffiti y el arte urbano.

Recientemente tuviste un show en Japón. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Te has encontrado con algún artista local que recomendarías? ¿Cuáles fueron tus cosas favoritas de la ciudad? Simplemente me encanta Japón, la cultura y su gente. He sido un gran fan de la estética japonesa desde que era un niño. Este amor comenzó viendo películas de Akira Kurosawa que mostraban hermosas armaduras de samurai, y que siguen estando. He estado en Japón unas cuantas veces los últimos años y mientras tanto hice amistades cercanas e incluso me siento más conectado cada vez que visito el país. Para mí Japón, y sobre todo Tokio, es la mezcla perfecta de tradición y espíritu moderno. Conocí, y me hice amigo, de muchos artistas locales en Japón y en realidad yo recomendaría revisar cada uno de ellos. Según mi experiencia, si los japoneses hacen algo, lo hacen con el 100% de compromiso y eso lo respeto mucho. Conocí, admiro y recomiendo el trabajo de mis amigos Imaone, Suiko, Usugro , Mami y Jun Inoue.

La gente pasa mucho tiempo contemplando las capas y texturas de tus piezas, tratando de descifrar un mensaje o leer algo que ven de un fragmento. Aparte de que tu trabajo sea hermoso, ¿Qué estás tratando de comunicar al espectador, ya sea directa o indirectamente? En realidad, estoy escribiendo mi nombre. “Todavía estoy escribiendo mi nombre”, que originalmente era un título de una exposición en solitario que hice en 2014, de hecho se convirtió en una especie de reclamo. La primera idea de graffiti fue escribir mi nombre una y otra vez hasta que las personas lo noten, lo lean, lo reconozcan, lo recuerden y finalmente obtener algo de fama. Ese fenómeno sigue formando parte de mi trabajo actual. Lo que escribo en mis pinturas son básicamente mis viejos nombres de graffiti, los nombres de las cuadrillas en las que he estado, los nombres de los artistas con los que pinto. Por supuesto, hoy en día, es más sobre el reconocimiento del estilo único como artista que el nombre legible en sí, pero al final es el mismo principio. Y siempre se trata de escribir, por supuesto, incluso si mis trabajos no son sólo sobre la visualización de la palabra escrita o texto y su legibilidad, como en el sentido clásico de la caligrafía. Cuando escribes algo, el resultado es más que lo obvio: hay un ritmo de movimiento que rodea las letras. Si dejas las cartas, el movimiento permanece. La caligrafía, en forma legible o ilegible, visualiza formas que provienen del núcleo humano. La caligrafía es, por tanto, la visualización del movimiento humano.

Has estado trabajando con frecuencia con Christian Hundertmark (C100) en su proyecto Layer Cake. ¿Por qué crees que la colaboración entre los artistas es importante y cómo lo incorporás a tu trabajo? Siempre me encantaron las colaboraciones. Quiero decir que así fue como empezó todo, pintando trenes junto a mis amigos. Probás cosas diferentes, cosas que tal vez no intentarías solo. Las colaboraciones pueden hacer que uno vaya más allá de sus propias fronteras. En el caso de mi proyecto “Layer Cake” 2016, me encontré con Christian durante una de mis exposiciones individuales y decidí que podría ser una gran idea unir fuerzas trabajando sobre lienzo. La coincidencia entre el estilo gráfico abstracto de Christian con elementos de collage y mi estilo Calligraffiti con las etiquetas de graffiti y la caligrafía nos motivó para que las cosas comenzaran de inmediato y funcionó bastante bien. Después de unas largas sesiones nocturnas, ya teníamos 20 pinturas terminadas, dos shows en la agenda y nos dimos cuenta que simultánea y probablemente, acabábamos de crear un nuevo concepto accidentalmente y ya teníamos un nombre: ‘Layer Cake’. La idea nos permitió romper la regla más importante de graffiti de no pasar o cruzar el trabajo de alguien. Sin ninguna discusión o permiso, nos fuimos sobre partes del trabajo de cada uno, dejando fuera las partes, y capa por capa creamos pinturas con gran profundidad. Para hacer una larga historia corta, trabajando juntos nos trajo a ambos a un nuevo nivel. La diversión que teníamos inicialmente en los días como vándalos de arte juvenil.

¿Qué artistas han tenido la mayor influencia en tu desarrollo creativo? En su mayoría otros escritores de graffiti como Futura, Jose Parla, Niels Shoe Meulman, Bando, Mode2, Delta, Zedz, Sheone, Duncan Jago y todo el Wizard Kings Crew, Stohead y muchos otros…

¿Cuál es tu obra de arte favorita de todos los tiempos? Durante mi primer año en la universidad, mostré mi mejor trabajo de lienzo a mi profesor de caligrafía. Le gustaba y decía algo como si nunca hubiera visto el graffiti en ese nivel en las calles. Pero uno de los otros estudiantes respondió que es porque es imposible hacer cosas complejas y que consumen mucho tiempo siendo ilegal. Esperé unos meses, a la medianoche de la víspera de año nuevo, cuando supe que todo el mundo estaría celebrando el nuevo milenio, pinté el mismo trabajo en un coche entero. Mientras yo estaba pintando, los fuegos artificiales luminosos, brillantes y ardientes detrás de mí se reflejaron en la pintura de aerosol dorada fresca y llena en el tren. Nunca olvidaré ese momento… y esa obra de arte.

El papel de un artista ha cambiado mucho a lo largo de los siglos. ¿Cuál sentís que es la responsabilidad o papel de un artista dentro de la sociedad moderna? En otras palabras, ¿cuál es en tu opinión el propósito de un artista contemporáneo? Creo que cada artista tiene sus propias razones personales y objetivos con su arte. No sé si tiene que haber un propósito especial. Ser un artista en vez de ser una parte del sistema que hace un trabajo estándar del 9 a 5  es un propósito suficiente para mí.

¿Qué estás leyendo en este momento? “La muchacha con el tatuaje del dragón” por Stieg Larsson.

¿Cuál es tu lista de reproducción musical perfecta para trabajar? Sólo tengo una lista de reproducción llamada “sólo hits” con rock de los años 60 y 70 (Jimi Hendrix, Black Sabbath, David Bowie, Rolling Stones, The Doors), funk (George Clinton, Bootsy, Bernie Worrell, Parliament, Funkadelic) y hip hop (BDP, EPMD, RUN DMC, Beastie Boys, NWA, Dr.Dre, Ice Cube, Snoop Dogg, Biggie Smalls, Method Man y Redman). Mi canción de rap favorita es “Déjame Encenderte” por el legendario Biz Markie .

¿Hay alguna otra cosa en la cual estés actualmente involucrado que te gustaría contar o promocionar? Lo más importante para mí en este momento es el nuevo libro que hice con mi compañero Christian Hundertmark “El arte de escribir su nombre – Calligraffiti urbano contemporáneo y más allá”, mostrando a los principales artistas de los últimos 25 años en este campo.

+ Más información sobre Patrick y su trabajo en:

Instagram: @stylefighting
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Web: www.patrickhartl.com